BUDDY HOLLY

   Imaginaros ir a uno de los conciertos de Elvis Presley, imaginaros que os invita a su camerino y decide apadrinaros en la música y ser vuestro amigo. Imaginaros jugar a las cartas con el genio Chuck Berry antes de que os enseñe algunos trucos en la guitarra. Imaginaros que Johnny Cash os invita a ser su telonero en varios conciertos… Pues esta fue la vida que tuvo nuestro siguiente artista, BUDDY HOLLY.

   La carrera de Buddy Holly se remonta a la época en la que crecía en su casa situada en un pueblo de Texas junto a su familia. Cuando tan solo era conocido por su nombre real, Charles Hardin Holley creció en un ambiente donde la música era un miembro más de la familia. Con ese fondo, los padres de Buddy (así era como lo llamaban cariñosamente) le enseñaron a tocar el piano, el violín, la mandolina, la guitarra y el banjo, y todo esto a los cinco años de edad. Como también se le daba muy bien cantar, comenzó a tocar en espectáculos junto a dos de sus hermanos, con los que consiguió ganar varios premios. Su faceta musical siguió creciendo durante el instituto cuando se hizo amigo de otro joven músico, Bob Montgomery, con el que formó un dúo. Ambos tocaban varios instrumentos y se dedicaron a dar modestos conciertos en fiestas locales. Continuaron creciendo y grabando varias canciones en radios y pequeños estudios de grabación (en uno de ellos escribieron el nombre de Holley sin la “e”, por lo que le quedó el nombre de Buddy Holly). Tocaban canciones que se acercaban al country y al blues, pero todo esto cambió cuando en 1955 asistieron por primera vez a un concierto de Elvis Presley y después lo conocieron en su camerino. Elvis se fijó en el gran potencial de Buddy Holly y, entre otros consejos, le condujo hacia el rock and roll. La influencia en Buddy Holly de Elvis y su amistad fue tan grande que en varias ocasiones Buddy llegó a reconocer que sin él, nunca hubiese llegado a ninguna parte.

   En ese momento, Buddy volvió a su pueblo natal, y junto con antiguos amigos formó un conjunto llamado Buddy Holly & The Chirping Crickets . Con ellos grabó su primer y exitoso disco.  Aunque el no lo sabía, solo le quedaban 2 años de vida, pero en ese corto espacio de tiempo, Buddy se separó de su banda y comenzó una carrera en solitario en la que se mezclaron las intensas giras con el lanzamiento de 2 discos más, con una gran cantidad de brillantes canciones, llenas de vitalidad e innovación.

   El final de su vida llegó cuando se encontraba en una de sus intensas y agitadas giras en 1959, en la que después de dar un concierto en Iowa, decidió alquilar un vuelo privado en una avioneta de un inexperto piloto. Aunque este no era el esquema inicial del viaje, varias circunstancias hicieron que al final se optase por la pequeña avioneta. Durante el difícil viaje por el mal tiempo y a la corta edad de 22 años de Buddy, la avioneta se precipitó a un campo de maíz, falleciendo los cuatro pasajeros del vehículo. La repercusión de su muerte fue instantánea, ya que durante días el mundo de la música se vio conmocionado por la repentina muerte de este precoz artista. Todos los grandes músicos de la época mostraron su tristeza por semejante pérdida, especialmente Elvis Presley, que se encontraba en una gira por Alemania.

   En cuanto al estilo musical, Buddy Holly es uno de los grandes pioneros del Rock and Roll, y uno de los más importantes innovadores en este campo, puesto que abandonó el rockabilly dominante en aquella época y le añadió muchísima frescura, más instrumentos y una lírica más pop. Profundizó muchísimo en la rítmica de las canciones, dotándolas de muchísima más personalidad y alejándolas del repetido ritmo que estaba tomando el rock. Digamos que le dio al rock un lavado de cara. Sus canciones son tremendamente alegres y enérgicas, llenas de una gran armonía y juventud. Son ese tipo de canciones que uno quiere escuchar en una mañana soleada de primavera o verano mientras te preparas para afrontar el día… y quien dice primavera o verano dice también el otoño e invierno. En definitiva, el ambiente y la sensación del día cambia nada más escuchar la voz y la guitarra de Buddy Holly.

   En cuanto a la discografía, ya sabemos que no es muy extensa, pero sí muy intensa y a la que no solo se puede escuchar una vez, puesto que la energía y la alegría que contagia hace que la disfrutes una y otra vez. Aquí va:

1- THE “CHIRPING” CRICKETS (1957): En su primer disco ya podemos intuir como va a ser la música de Buddy Holly en toda su carrera. De aquí destaco Oh Boy!, Not Fade Away, Tell Me How, Think It Over, That’ll Be The Day (la idea viene de esta misma frase que repetía John Wayne constantemente en una de sus geniales películas de vaqueros y que forma parte de mi infancia, Centauros del Desierto), Fools Paradise, I’m Looking For Someone To Love y Last Night.

2- BUDDY HOLLY (1958): En su segundo álbum, Holly mantiene la estética musical y el tono de las canciones, algo lógico teniendo en cuenta el éxito del primer disco y lo diferente que resultaba con el panorama musical de la época. De este disco destaco I’m Gonna Love You To, Peggy Sue, Look At Me, Listen To Me, Everyday, Words Of Love y Rave On.

3- THAT’LL BE THE DAY (1958): En su último disco, Buddy Holly nos deleita con canciones como You Are My One Desire, Blue Days Black Nights, Modern Don Juan, Girl On My Mind y I’m Changing All Those Changes.

   4- En último lugar, también es necesario mencionar unas cuantas canciones míticas que grabó Buddy Holly en distintos formatos pero que no llegaron a publicarse en los discos, como son La Bamba, Heartbeat, Early In The Morning, It’s So Easy y True Love Ways. Seguramente muchas de ellas os suenen aunque no lo sepáis. Las hemos escuchado millones de veces durante nuestra vida.

   Estas canciones las podéis encontrar, como siempre, en estas listas que os he preparado:

• Spotify - Buddy Holly
• Grooveshark - Buddy Holly

   No podía irme de aquí sin hablar, por supuesto, de la grandísima influencia que ha tenido Buddy Holly en la historia de la música y sobretodo en la del Rock and Roll. Toda la información que he logrado recopilar haría que cualquiera ser arrodillase ante semejante figura, puesto que sus tentáculos llegan hasta nosotros aunque no nos demos cuenta. Desde un primer momento muchos músicos, como Elvis Presley, han reconocido que trabajar y tocar junto a Buddy Holly les enseñó muchas cosas y les ayudó a mejorar en su carrera. Además de eso, por si fuera poco, voy a daros algunos datos espectaculares. En primer lugar, la influencia más grande que se puede observar puede ser en The Beatles (Beatles significa “escarabajo”, que el grupo eligió, entre otras cosas, porque hacía un poco referencia a Crickets, que significa “grillos”). Si no os suena creíble, os diré que John Lennon adoraba a este artista, que George Harrison aprendió a tocar la guitarra con las canciones del primer disco de Buddy Holly, y que Paul McCartney, además de ser un gran fan, ha adquirido todos los derechos sobre las canciones de Buddy Holly (¿más pruebas?). Además de The Beatles, otros grupos de la misma época como The Kinks, The Who o The Animals han reconocido en varias entrevistas su devoción por la música de Holly. Más artistas fanáticos de él son Elvis Costello y Joe Strummer, cantante de The Clash. Otros grupos muy importantes han escrito canciones dedicadas o en las que se mención a Buddy Holly, como Blondie, Radiohead o Weezer. Además, Julian Casablancas, cantante de The Strokes, es actualmente uno de los más grandes defensores e incondicionales seguidores de la música de Buddy Holly, incluso a cantar sus canciones en directos o llamar a alguna canción como alguna de Buddy Holly.

   Finalmente, os dejo un par de directos de Buddy Holly. Lo cierto es que se nota que son de los años 50 por la calidad de imagen y sonido, pero sin duda alguna no tienen ningún desperdicio verlos, porque son tremendamente divertidos y llenos de muchísima energía. Además, os dejo una sorpresita en forma de tercer video (no es Buddy Holly el que canta, sino un imitador para un documental sobre él, pero sin duda alguna acierta en cuanto a la estética y al estilo de los conciertos de Holly):

   Peggy Sue, en un programa de televisión de 1957.

   That’ll Be The Day, en otro programa en 1957.

   Oh Boy!, la “sorpresita”.

    Yo ya te he enseñado lo básico de BUDDY HOLLY, ahora te toca a tí escucharlo, merece la pena.

RADIOHEAD

   Aunque esta banda no es exactamente un clásico del rock sino que más bien es muy contemporánea y con una gran presencia actual, su historia se remonta a mediados de los 80 y su importancia es tan grande que desde los 90 han logrado consolidarse como una de las bandas más influyentes de la historia y sin duda alguna de las más importantes y fundamentales del siglo XXI. Además, es de mis grupos universales favoritos y les tengo un respeto y una admiración tan inconmensurables que espero hacerles justicia con este reportaje, además de transmitiros y compartir mi devoción a este grupo con todos vosotros y que la aprovechéis. Ellos son, como no, RADIOHEAD.

   El origen de Radiohead se remonta al año 1985 en la ciudad inglesa de Abingdon. Todos los miembros asistían a la misma escuela privada masculina (un colegio tipo la de El club de los Poetas Muertos… “oh capitán, mi capitán”). Ellos eran Thom Yorke (líder indiscutible, vocalista, guitarra, piano, compositor, genio, artista y deidad), Jonhy Greenwood (guitarra, teclados), Ed O’Brian (guitarra, segunda voz), Colin Greenwood (bajo, sintetizadores) y Phil Selway (batería, percusión). Comenzaron ensayando en el aula de música del colegio bajo el originario nombre de ON A FRIDAY, ya que el viernes era el único día en el que podían ensayar y en esta etapa recibieron un gran apoyo e influencia de su profesor de música. Por aquella época consiguieron dar una serie de conciertos en pubs cercanos. Entonces llegó un momento en el que todos los miembros se dispersaron para cursar sus carreras en distintas universidades, aunque siguieron cultivando el gusto por la música y a menudo se juntaban durante los veranos para seguir ensayando. Al finalizar sus carreras, volvieron a unirse para dar un mayor impulso a su carrera musical. Con el tiempo ya contaron con un elevado repertorio de temas y mostraban una gran técnica y potencia en sus directos.  En ese momento comenzaron a llegar varias discográficas atraídas por la emergente música de este grupo, aunque finalmente firmaron con EMI, la cual fue la responsable de proponer el (acertado) cambio de nombre para adoptar el de RADIOHEAD, que viene de una canción de The Talking Heads llamada “Radio head”. A partir de ahí sacaron 6 discos con esta discográfica y todos ellos son absolutamente brillantes. Aún así, debido a que el estilo de Radiohead no se asemejaba con el ya característico britpop de la época, al principio fueron muchos los que le criticaron, como la revista musical NME (‘puajj’)… aunque al final todos han acabado por rendirse a sus pies (incluida NME). Con ello, su primer disco tardó unos cuantos meses en calar en el público debido a la mala prensa que le lanzaban. Todo ello cambió cuando la canción “Creep” se convirtió en un bombazo tanto en EE.UU. como en (atención) Israel. Radiohead se embarcó entonces en 2 años de giras por todos estos países y volvieron a Inglaterra con un público ya bastante encandilado. Después de esto, Radiohead ha seguido lanzando discos de una calidad brillante y que poco a poco han ido evolucionando y fidelizando a todo su público. A parte de los 6 discos con EMI, posteriormente han editado otros dos. Actualmente siguen unidos y con grandes proyectos.

   Ahora me gustaría hablar de todo su estilo global y sus características. Así, lo básico sería decir que el estilo de este grupo es el rock alternativo o rock experimental, pero antes de escuchar a Radiohead, tenéis que tener presente de que estáis ante una de las bandas más innovadoras desde los años 90. Una de las bandas que más han evolucionado y han sabido reflejar los cambios en la música con una maestría increíble. Si cualquiera de vosotros coge el primer y el último disco, lo primero que pensará es que seguramente se ha confundido y ha cogido  discos de grupos distintos, pero para nada. No se puede entender la carrera musical de Radiohead sin comprender que, ante todo, siempre se han considerado artistas y músicos alejados de cualquier etiqueta comercial, que lo único que han intentado es poner toda su alma en la creación musical, y que han intentado aprovechar las nuevas tecnologías para conseguir la mayor cantidad de efectos y matices posibles. Aclarado esto, podemos ver cómo han partido desde el rock más puro y elemental, poco a poco integrando más matices técnicos, y a partir del cuarto disco han metido de lleno sonidos y efectos electrónicos, así como a conjuntos musicales en determinadas canciones. Pero todo esto siguiendo un matiz muy importante, y es que en todos los discos han mantenido ese compromiso y fidelidad con expresarse de la mejor manera posible, de no dejar ningún detalle al aire y de perfeccionar todas las canciones y letras. Soy fe de que lo han conseguido. Cada disco, aunque distinto (no distinto, sino que cada uno es una evolución natural del anterior) mantiene un fondo común y eso dota a todos los discos de una perfección inalcanzable para muchos grupos que nunca han querido apartarse de un estilo determinado (véase Oasis… que ojito, no digo que sean malos ni que no me gusten).

   En cuanto a las letras de Radiohead, la mayoría han sido escritas por Thom Yorke, y los temas más recurrentes son la alienación, los pensamientos negativos, la actualidad, personajes con problemas, la globalización o la guerra. Fundamentalmente suelen tener un carácter pesimista, y la voz aguda y el falsete de Thom Yorke dan a las canciones de un halo de misticismo y amargura que pueden pegar muy fuerte a las personas, y de ahí que la gente se sienta tan identificada con el grupo. Las canciones suelen sacar de cada uno su parte más profunda, y también le dan a uno ganas de gritar de rabia cuando te sientes impotente, acompañando a los característicos berridos de Thom Yorke. Todo ello, unido a un acompañamiento musical brutal y maravillosamente melódico y pegadizo, consiguen que el oyente se identifique mucho con Radiohead, sobre todo en sus horas más débiles (o eso creo yo). Dicho esto, cualquier momento es bueno para escucharlos, aunque lo mejor es utilizar sus canciones como método para sacar a flor de piel las emociones que necesitamos expulsar.

   En cuanto a su discografía, Radiohead tiene un total de 8 discos de estudio. En cuanto a los discos, en vez de decir todas las canciones que he incluido en la lista, como es la más larga que he hecho, ya que de cada disco hay entre 6 y 10 canciones (por motivos que no necesito justificar), voy a describir un poco cada disco para que no os sorprenda y destacaré las canciones que son fundamentales conocer hasta para los que no les guste este grupo (cosa difícil y ridícula):

1- PABLO HONEY (1993): Con su primer disco, Radiohead se muestran ante el mundo como un grupo de rock puro con grandes guitarreos y un estilo muy dinámico. Se podría decir que es un disco de rock brillante. De este destaco 8 canciones, pero no se os puede pasar ni Creep, Stop Whispering o Thinking About You.

2- THE BENDS (1995): Su segundo disco sigue la misma línea que el primero, aunque a mi parecer es mucho mejor tanto en las melodías como en las letras y la confianza y potencia de Thom Yorke al cantar. De aquí hay 9 canciones, y en realidad todas son épicas, pero sobre todo The Bends, High And Dry, Fake Plastic Trees, Bones, Just y My Iron Lung.

3- OK COMPUTER (1997): Si con su segundo trabajo alcanzaron la fama, con este disco se catapultaron al estrellato y al reconocimiento mundial. Sin duda alguna es su mejor disco y uno de los discos más importantes e influyentes de los últimos 20 años. Es literalmente espectacular de principio a fin, aunque yo destaco Airbag, Paranoid Android, Karma Police (mi canción favorita del grupo y una de mis canciones claves de todos los tiempos. Le profeso veneración absoluta), Climbing Up The Walls y No Surprises.

4- KID A (2000): Aquí es cuando se meten a jugar con los aparatos electrónicos y a profundizar en la experimentación. Este también es considerado uno de sus grandes trabajos y con él se ganaron el respeto de la mayor parte de la crítica y del mundo ya que demostraron que daba igual la forma o el estilo en que grabasen un álbum, que lo iban a petar. De aquí son obras maestras, entre otras, Everything In Its Right Place, Optimistic e Idioteque.

5- AMNESIAC (2001): Con su quinto álbum continúan la misma dinámica del disco anterior, aunque incorporan mucha más guitarra y tienen más presencia los instrumentos originales. El resultado es uno de mis discos favoritos y con uno de los que más disfruto, sobre todo con canciones como Pyramid Song o Knives Out.

6- HAIL TO THE THIEF (2003): Este es quizás el disco que menos me guste porque llevan la experimentación hasta sus máximo extremo, y no en el sentido de meter electrónica, sino en el misticismo de las canciones y su ambiente pesimista sobre la actualidad, aunque tiene bombazos como 2+2=5, There There y Myxomatosis.

7- IN RAINBOWS (2007): Este disco es el primero que Radiohead lanza independientemente y en el cual han querido volver un poco a su etapa entre Ok Computer y Kid A. En realidad, este es otro de mis discos favoritos. Es brillante debido a que es un soplo de aire fresco para el grupo y eso se nota en el resultado. De este disco destaco, entre otras, canciones como Weird Fishes/Arpeggi, All I Need y Reckoner. [Este disco no está en Spotify, pero sí que está en Grooveshark]

8- THE KING OF LIMBS (2011): En su último trabajo recuperan un poco el afán de experimentación y las ganas de crear un disco brillante. Las canciones son más largas y misteriosas, y mí me da la sensación de que es un poco la banda sonora de la vida de un fantasma, una especie de ente que intenta expandirse y salir de su coraza, es muy raro… pero increíble si te tumbas, cierras lo ojos y te detienes a escucharlo, sobre todo canciones como Lotus Flower (con un videoclip tan ‘salao’), Codex y Give Up The Ghost.

   Estas canciones las podrás encontrar y escuchar en las siguientes listas, a las cuales podéis suscribiros para no perder detalle de ese grupo:

• Spotify - Radiohead
• Grooveshark - Radiohead

   Me gustaría detenerme a analizar la figura clave de su líder. Thom Yorke es uno de esos músicos a los que más admiro no solo por su voz o su gran talento, sino porque en sí mismo es un pedazo de artista y un creador fascinante, además de poseer un gran carisma y personalidad. Es muy característico su párpado caído debido a que nació con una parálisis facial y de pequeño se sometió a muchas operaciones, una de las cuales le dejó esa chapuza que hoy en día le caracteriza tanto a su aspecto. La verdad es que el tío es un personaje de mucho cuidado, porque cuando era pequeño siempre tuvo una personalidad bastante marcada y curiosa, muy diferente a la de cualquier niño. Para que lo veáis claro, en la primera canción que compuso cuando era pequeño hablaba sobre una bomba nuclear y describía la explosión. Pero en fin, a él le debemos en gran parte el curso que ha tomado la banda, lo cual es de agradecer. Hay que señalar que Thom Yorke ha sacado un disco en solitario llamado THE ERASER en el 2006, aunque personalmente no me agrada tanto como los propios de Radiohead. Aún así, es obligatorio darle unas cuantas escuchas.

   Brevemente también me gustaría hacer referencia a un par de videos que han ganado mucha popularidad en la red y que son covers de canciones de este grupo por personas que han subido los videos a la red. El primero de ellos es una versión muy famosa que hizo un vagabundo indigente en EEUU de la canción ‘Creep’. El segundo es un video espectacular de la canción ‘Paranoid Android’ que un internauta hizo uniendo muchísimos videos independientes tocando diferentes instrumentos de dicha canción. Este internauta los cogió todos y los unió para formar la canción, y el resultado es admirable.

   Finalmente, os dejo tres directos que a mi parecer retratan bastante bien la majestuosidad de esta banda en un concierto. Los 3 directos son ÉPICOS. Yo os animo a que aprovechéis cualquier ocasión para verlos en directo…. (Yo, por lo de pronto, me voy este verano a Lisboa a verlos en el festival Optimus Alive 2012… y más les vale tocar Karma Police).

1- Creep, en el Japan Summer Sonic de 2003:

2- Karma Police, en el Glastonbury de 2003:

3- Everything In Its Right Place, en Tokyo 2008:

   Yo ya te he  enseñado lo básico de RADIOHEAD, ahora te toca a tí escucharlos, merece la pena.

TRIANA

   Como hemos podido comprobar durante la vida de este blog, el panorama musical internacional nos ha brindado una gran cantidad de grupos épicos, pero sobre todo de magníficos artistas. Grandes bandas de rock o música alternativa que pasarán a la historia por su extraordinaria capacidad de hacer música y de transmitir cultura o experiencias maravillosas al  oyente. Pero que no se diga que en España nos hemos quedado atrás en ese sentido… pues este país también ha dado brillantes grupos. Aquí os presento uno de los más importantes, TRIANA. 

Jesús de la Rosa, Juan José Palacios y Eduardo Rodríguez Rodway

   Reconozco que gran parte de los lectores de este blog se mostrarán un poco escépticos ante este reportaje, pues este grupo andaluz tiene una fuerte influencia del flamenco y la música popular (lo que choca frente al resto de grupos de rock de los que he hablado en este blog), pero os diré que vuestro escepticismo no tiene ningún fundamento en este aspecto. Por favor, apartar vuestros prejuicios musicales puesto que este trío de (grandes) artistas ha ido más allá del simple flamenco. Grandes innovadores y conscientes de las tendencias musicales del mundo, lograron fundir el rock alternativo contemporáneo con el flamenco de una forma majestuosa. El resultado ha sido una brillante colección de discos que van mucho más allá del flamenco tradicional. Han llegado a crear escuela dentro del rock español debido a su fantástica creatividad musical y su gran aportación a este arte. 

   La historia de Triana se remonta a principio de los años 70 en la andaluza ciudad de Sevilla. Su origen se debe al espíritu creativo de sus componentes y a su propósito de fundir el flamenco con el rock progresivo e incluso psicodélico (inquietud que me permito afirmar que lograron realizar). El alma del grupo fue su cantante principal y teclista Jesús de la Rosa Luque, pero este no sería nada sin los dos talentosos y brillantes músicos Eduardo Rodríguez Rodway (guitarra) y Juan José Palacios “Tele” (batería). Su viaje musical culminó en 1975 con el lanzamiento de su primer disco de estudio, una ingeniosa y brillante creación digna de escuchar. Admirable tanto por la música como por las letras y la voz de Jesús de la Rosa. A partir de ahí, Triana lanzó otros cinco álbumes con una maravillosa aceptación por el público y la crítica. Como grupo, a partir del tercer grupo empiezan a tener varios problemas y crisis internas a causa del masivo éxito y de la expectación que causaron, por lo que en sus últimos discos se volvieron un poquito más comerciales, aunque nunca perdieron su identidad y su gran profesionalidad como músicos y artistas. Sin pretenderlo, esta banda (que en muchas canciones mostraron un gran compromiso político y cultural) se había convertido en un mito dentro de España. Sin embargo, todo esto se vería interrumpido el día 14 de Octubre de 1983 por la repentina, trágica y prematura muerte de su cantante Jesús de la Rosa, quién moría en un accidente de tráfico al volver de un concierto benéfico en el País Vasco. En este momento se caía el mito, pero únicamente para convertirse en leyenda cual fénix que resurge de sus cenizas.

Jesús de la Rosa Luque

   En cuanto a su estilo musical, el género con el que se reconoce a Triana es el Rock Andaluz. Pero esto hay que matizarlo con todo lo que he descrito. Triana coge por un lado el rock progresivo y la música alternativa y por el otro lado rescata el flamenco y toda la tradición andaluza para fusionarlo en un resultado artísticamente brillante. Una fabulosa combinación digna de ser admirada (y escuchada, por supuesto). Respecto a su vertiente rockera y psicodélica, yo acostumbro a defender que en sus primeros discos veo muchísima semejanza con The Doors, sobre todo en los teclados y el la percusión (además, Robby Krieger, guitarrista de The Doors, hizo la carrera musical de guitarra clásica flamenca). Yo suelo decir: “Triana son los Doors españoles”. Y así como digo que en los primeros discos se parecen a The Doors, también digo que en los últimos discos se parecen un poco a Pink Floyd, no solo en la estructura de las canciones sino también en las melodías y riffs de las guitarras. Esto es algo que a mí me gusta mantener, aunque aquí siempre hay que salvar las distancias en el sentido de que los géneros de estos grupos al final siempre son muy diferentes… pero si te paras a escucharlos bien, tampoco creeréis que yo esté tan loco.

   Respecto a la discografía, como he dicho Triana tiene 6 discos de estudio de música brillante. Para hacer la lista me he decantado por su alma rockera y por ello he podido eliminar las canciones “demasiado” flamencas (si me perdonáis la expresión). Este es el resultado:

1- EL PATIO (1975): Su disco debut lo considero como uno de los mejores de este país. Sencillamente espectacular. Brillante. Canciones llenas de matices musicales y potentes letras. Escucharlo entero es una delicia para los oídos, aunque sin duda hay que destacar las increíbles Abre la Puerta, Sé de un Lugar, Luminosa Mañana, Diálogo, En el Lago y Recuerdos de una Noche.

2- HIJOS DEL AGOBIO (1977): Su segundo trabajo se llega a parecer mucho al primero en cuanto al estilo, y por ello me quedo con Hijos del Agobio, Rumor, Ya está Bien y Sr.Troncoso.

 3- SOMBRA Y LUZ (1979): De su tercer disco, en la línea de los dos primeros aunque con más acercamiento hacia el flamenco, destaco Una Historia, Quiero Contarte y Hasta Volver.

4- UN ENCUENTRO (1980): Este es otro de mis discos favoritos, no solo por la portada (que es fantástica) sino por las grandes canciones Tu Frialdad, A Través del Aire, Un Nido en mi Ventana, Aroma Fresco y Caudaloso Río.

 5- UN MAL SUEÑO (1981): Aquí empiezan a acercarse más a la música pop o comercial, pero todo ello sin perder su estilo inicial, por lo que el resultado es un gran disco del que destaco canciones como Un Mal Sueño, Es Algo Tan Maravilloso, Una Noche de Amor Desesperada, Por el Camino y Corre.

6- LLEGÓ EL DÍA (1983): De su último disco me quedo con los magníficos temas Desnuda la Mañana, Perdido por las Calles, De una Nana siendo Niño y Llegó el Día.

   Estas canciones las podéis encontrar y escuchar en las siguientes listas:

• Spotify - Triana
• Grooveshark - Triana

   Para ir terminando, hay que decir que después de la muerte de Jesús de la Rosa Luque, el guitarrista Eduardo Rodríguez Rodway inició una carrera en solitario, mientras que Juan José Palacios “Tele” editó un recopilatorio de Triana y posteriormente se unió a otros músicos en una nueva formación musical a la cual tuvo la “desfachatez” de llamarlo Triana, sacando un par de discos. Pero la desfachatez y la caradura van en aumento cuando tuvo lugar la muerte de Tele y el resto de integrantes consiguieron otro músico y grabaron un disco y siguieron dando giras bajo el nombre de Triana y con sus canciones, algo que irritó mucho al único miembro vivo… (Creo que yo voy a dedicarme a la música y hacerme llamar Elvis Presley o Michael Jackson, ¿qué os parece?). Pero aún así, yo os recomiendo fervientemente disfrutar de la música de este peculiar e innovador grupo de nuestra tierra.

   Finalmente, os dejo un par de directos de la banda. Concretamente ambos fueron grabados en programas de televisión en vivo:

   1- Abre La Puerta:

   2- En el Lago (1975):

   Yo ya te he enseñado lo básico de TRIANA, ahora te toca a tí escucharlos, merece la pena.

THE DOORS

AN AMERICAN POET…

   ... así era conocido Jim Morrison, el carismático (y tan carismático) líder de una de las bandas más importantes, influyentes e innovadoras que han existido en la historia del rock. Surgida allá en los 60, es sin duda una de las bandas que mejor encarnan la psicodelia y el misticismo que envolvía a los grandes grupos de rock de aquella época de grandes y constantes cambios sociales. Compuesto por cuatro fantásticos músicos, su espíritu creativo los llevó a lanzar históricos discos y canciones que ayudaron a cambiar la forma de hacer música. Pero sin duda alguna, lo que más destaca de esta banda es él, Jim Morrison (“El Rey Lagarto”). Poeta de nacimiento, sus capacidades musicales y su potente personalidad en los directos fue igual de grande que las excentricidades que lo rodearon durante toda su vida… y muerte. Ellos son, como no, THE DOORS.

   La historia de esta banda se remonta a Los Ángeles (EE.UU). El año era el 1964 y el lugar en el que se encontraron Jim Morrison y Ray Manzarek (antiguo compañero de Universidad) era la playa de Venice. De este inesperado encuentro surgió The Doors. Morrison le enseñó a Ray un poema que había escrito titulado “Moonlight Drive” y Ray le pidió que lo cantase. Morrison lo hizo… ¡y BUM!, Ray quedó maravillado con la voz y la expresividad de su antiguo amigo, así que no le quedó otra que pedirle que juntos comenzasen un grupo de rock, a lo cual Morrison aceptó de inmediato. Ray dejó su otro grupo para ser el teclista del nuevo, y convenció a otros dos conocidos suyos y grandes músicos para que dejasen sus grupos y se uniesen a The Doors. Ellos eran Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (batería).

   El origen del nombre viene de la tremenda pasión que Jim Morrison profesaba por la poesía. Concretamente, eligió el nombre de un verso de un poema del escritor inglés William Blake: “If the doors of percepcion were cleansed, everything would appear to man as it is: infinite.” (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito).

   La banda pronto empezó a tocar en locales de la zona en conciertos hipnotizantes llenos de una espectacular fuerza y carga emotiva por parte del cantante (aunque al principio incluso cantaba de espaldas al público por una inicial fobia a los escenarios). Dieron una gran cantidad de conciertos y se hicieron bastante famosos, aunque las extravagancias de Jim no tardaron en llegar, puesto que les echaron de un local (el ‘Whiskey a Go Go’), prohibiéndoles la entrada para toda la vida porque en la canción The End, Jim Morrison gritó la siguiente frase: “Father, Yes son?,I want to kill you”, “Mother, I want to fuck you!”. Esto se consideró algo imperdonable en aquel momento, pero para la grabación del primer disco, en esta canción Morrison sustituye el “I want to fuck you” por un peculiar e intenso grito. A título personal, diré que la canción entera es brillante.

   Y entonces llegó el brillante primer álbum, y el segundo, y el tercero, y así poco a poco la fama de The Doors se expandió rápidamente como la pólvora. Hablamos de una perfección musical tremenda, con una gran cantidad de matices que dan como resultado que prácticamente todas las canciones de los discos sean éxitos. El gran logro de The Doors fue que eran la única banda estadounidense que hizo frente y una dura competencia a los grandes pilares de la música rock británica de entonces (The Beatles, The Rolling Stones, The Who,…). Y así la historia de The Doors fue avanzando poco a poco. A los éxitos del grupo se sumaban las locuras y los problemas (tanto legales como por drogas) de Jim Morrison, que hacían que las grabaciones fuesen más lentas y problemáticas. Aún así, los conciertos que daban eran épicos y muchas veces tenía que intervenir la policía, ya que a Morrison le gustaba dar al público lecciones de “moralidad”, que por aquella época no gustaba mucho a las fuerzas del orden. Y esto siguió así hasta que después de sacar el sexto álbum, Jim Morrison se retiró a París para descansar, muriendo poco después a los 27 años de edad en circunstancias tan extravagantes como la personalidad de este genio.

   En cuanto al estilo musical, The Doors destaca por no utilizar a un bajista (aunque el teclista Ray consegía tocar los ritmos que sustituirían al bajo). Lo importante de este grupo era que los 3 músicos tenían grandes estudios de música y de composición, además de que poseían una increíble habilidad para tocar sus instrumentos, lo que unido a la creatividad de Morrison para componer poemas y a su vigorosa y profunda voz, les resultaba tremendamente fácil componer canciones con infinidad de matices musicales. Su principal estilo musical es el rock psicodélico, aunque también han tocado el hard rock, acid rock o blues rock. Escuchar a este grupo es una experiencia tremenda, se vive muy intensamente cada canción. Podéis escucharlos cuando queráis o no escucharlos, pero yo sinceramente os recomiendo poneros la maldita lista que he hecho y ver que pasa... ya me contaréis que habéis sentido o experimentado (a cada persona le produce algo distinto la experiencia).

   Respecto a la discografía, han sacado un total de 9 discos de estudio, aunque solo los 6 primeros durante la vida de Jim Morrison, siendo el 7º y 8º sacados con la única participación de los 3 restantes miembros, y el último es un recopilatorio de poemas y algún directo interpretados años atrás por Jim Morrison:

1- THE DOORS (1967): Un primer disco brutal, está entre mis favoritos  casi todas las canciones son espectaculares. Destaco Break On Trough, Soul Kitchen, The Crystal Ship, Twentieth Century Fox, Alabama Song, Light My Fire, Take It As It Comes y The End.

2- STRANGE DAYS (1967): Segundo disco también brutal, se compone de muchas canciones que el grupo no incluyó en el primer disco. De aquí también son muy buenas casi todas, pero sobre todo Strange Days, You’re Little Girl, Love Me Two Times, Unhappy Girl, Moonlight Drive, People Are Strange y My Eyes Have Seen You.

3- WAITING FOR THE SUN (1968): Tercer disco, como no, brutal. De aquí destaco canciones como Hello I Love You, Love Street, Not To Touch The Earth, Wintertime Love, Spanish Caravan y We Could Be So Good Together.

4- THE SOFT PARADE (1969): Con este disco empezaron a meter sonidos típicos del blues o el jazz en sus canciones, aunque no dejan de ser igual de buenas, como Tell All The People, Touch Me, Shaman’s Blues, Do It y Wishful Sinful.

5- MORRISON HOTEL (1970): Este es uno de sus discos con más éxito. Está lleno de canciones muy potentes y llegó cuando casi todo el mundo estaba a sus pies. Se ve que no quisieron defraudar a su público, y de ahí salieron canciones como la gran Roadhouse Blues, Waiting For The Sun, You Make Me Real, Peace Frog, Blue Sunday, Queen Of The Highway y Maggie M’Gill.

6- L.A. WOMAN (1971): Este es el último álbum con Jim Morrison vivito y coleando, y aunque no es de sus mejores, si que incluye temazos como The Changeling, Love Her Madly, L.A. Woman, Crawling King Snake y Riders Of The Storm (mi gran favorita junto con The End).

   [A partir de aquí, los siguientes álbumes se publicaron con Jim Morrison ya fallecido.]

7- OTHER VOICES (1971): Aunque musicalmente sea una maravilla, yo sinceramente extraño la gran y personal voz de Morrison, por lo que solo destaco Ship W/Sails y Down On The Farm.

8- FULL CIRCLE (1972): Este es un poco más de lo mismo, así que os recomiendo escuchar Get Up And Dance, 4 Billion Souls y The Mosquito (divertida canción en castellano).

9- AN AMERICAN PRAYER (1978): Este disco sí que os lo recomiendo escuchar entero, porque es un conjunto de poemas y genialidades recitados por Jim Morrison durante la historia del grupo. Está llena de poemas, algunos directos y charlas de Jim Morrison al público. Yo incluyo unas cuantas canciones en la lista, pero os recomiendo tumbaros y escuchar el disco entero. Es una joya… Palabra.

   Estas canciones las podéis encontrar y escuchar en las siguientes listas (suscribiros, que son gratis):

• Spotify - The Doors
• Grooveshark - The Doors

   Ahora me gustaría tratar brevemente la vida y muerte de Jim Morrison. Creció viajando entre bases militares por el trabajo de su padre. Lector voraz y amante de la música y la poesía, se fue de casa a los 19 años para estudiar a la Universidad (fue compañero de Francis Ford Coppola), aunque al finalizar la carrera no fue ni a recoger el diploma porque le interesaba más la música. Ahí fue cuando se encontró a Ray Manzarek en la playa. Morrison siempre tuvo una personalidad muy filosófica, con un gran coeficiente intelectual y grandes inquietudes artísticas. Poco a poco fue adentrándose más en el chamanismo o la meditación, y sobre todo las drogas y el alcohol. Aunque fueron muchos los escándalos y excentricidades en su vida, lo del tema de las drogas siempre lo llevo ‘medianamente’ bien, puesto que Jim Morrison defendía el uso de las drogas, sobre todo las que te hacían alucinar y experimentar nuevas sensaciones, por lo que consumía mucha marihuana y LSD. Sin embargo, estaba totalmente en contra de toda clase de drogas que se inyectasen directamente en el cuerpo como la heroína (llegando incluso a darle una paliza a un camello que le vendió esta sustancia a su novia). Lo de su muerte ya es tema para un libro, puesto que hay mil teorías sobre su muerte (incluso la que defiende que aun está vivo y que todo fue una invención del cantante). Os cuento, murió a los 27 años, y el cuerpo lo encontró la novia en la bañera de su piso de París. Pero sobre su muerte se dice que fue por sobredosis, que murió en un bar y se lo llevaron al baño, que un falso médico diagnosticó su muerte, que si su padre desenterró su cadáver, y que si mil historias más… así que no os extrañéis si algún día el mismo Jim Morrison llama a la puerta de vuestra casa...

   Espero que no haya sido muy duro leer todo el reportaje, pero ahora solo tenéis que relajaros y ver los directos que os he seleccionado:

1-    Un primer video de un directo de Roadhouse Blues (1970), pero con imágenes de muchos conciertos y la locura que desataba este grupo:

2-   Touche Me, en un programa de televisión:

3-  The End, en un fantástico y hechizante directo en Canadá en 1967:

   Yo ya te he enseñado lo básico de THE DOORS, ahora te toca a tí escucharlos, merece la pena.